Our practice is multidisciplinary, exploring the categories of sculpture, installation, printmaking and video. Drawing upon humor, philosophy and technology, our work investigates space as a setting for human actions and it deals with the phenomenon of the sublime, when we question forms of representation and attribution.

In our ongoing research on the "Technological Sublime" we investigate the meaning of sublimity and transcendence in relation to man-made structures and machines. The sublime is rather taken as a realization of the smallness of humankind against the immensity of nature. We are interested in the way the psychology of the technological sublime counteracts by instilling a notion of mankind's grandiosity derived from a feeling of awe.

Some of our works are site-related to specific architecture or former industrial sites, but all of them are inspired by research trips to industrial monuments and architectural features that we find in remote areas in Europe, USA or while traveling on a container ship to Egypt. Our installations stem from our very own experience at these places in the way that we link them to the relation of subject and object, artistic production or global economy. The most recent works push the idea of site-specific installations into a performative setting for human actions. Our appropriation of technical processes as artistic techniques and the development of tools and devices for these processes has developed into the idea of technical production as an a esthetic process and performative part of the art works.

At the origin of my artistic research is the investigation regarding the meaning of artifacts and the purpose of making them. I was interested in the rituals that can activate connections between objects and magic or spiritual power as well as an affective value that you can give to an object. In my practice, I conceive prototypes for new rituals.
I believe there exists a thread that weaves a story between my works. Even if I change mediums, it’s important that all past works are connected with the upcoming work, creating a widerpanorama - like members of a family each with their own personality. This kind of narrative depicts a landscape, like an imaginary world that is parallel to the real world.
I’m interested in the artisanal skills that allow me to transform and shape the materials such as wood or fabric, connecting the ancient traditions behind these crafts to their use in a contemporary vision.
I explore the psychological aspects tied to feelings, emotions, memory, and sensory perception. I believe in works as devices that can trigger emotional reaction and thoughts about your own life. Art can be a tool to gain knowledge about the world and about yourself.
My aim is to take something present in our history or everyday life, and customize it in my own way - to give it a new value or my own point of view.

Riccardo Beretta

Bahram Ghonchepour, 1984, Hamedan, Iran. BA in painting 2008, MA in Painting 2011. Working as a sculptor and painter in Tehran, Iran.

The relief you visit now as my work is the source of inspiration for believing obscure cityscapes that have always been referred to as the magic of environment. From the very beginning I have been attracted to cityscapes and landscapes, but I know this praise of the cityscapes had a romantic aspect more than anything else; on the other hand, in depicting a cityscape, there is a depth and complex, pre-exiting visual feature that I have devoted all my effort to achieve. From the combination of two senses, I have reached the current result. Finding the hidden forms inside the existing one, gave me a manner to both answer my personal romance and to pave the way for art creating. These are the possibilities to objectify the cityscapes that I see among the buildings and streets; as the spiral ways in a city and parametric features in an old building.

CHICO TOGNI & KADIJA DE PAULA create situations and happenings that question the value of resources and social practices.They combine food, text and performance to create “events” and social experiences that take place in structures and functional objects they build with found resources and materials. Interested in degrowth as a political and economic movement that can keep us going on as a society, Chico and Kadija research habits and processes of consumption, disposal, recycle, and social assistance to make self-organizing and alternative economical experiments that challenge how we consume, accumulate, exchange, share, and waste an abundant surplus of resources.

Together, Chico Togni and Kadija de Paula are laureates of L’institut Français for a residency at Cité Internationale des Arts in Paris at the end of 2018. In 2017 they were residents at Q21 MuseumsQuartier (Vienna AT) and Casa do Povo (São Paulo BR); and exhibited their collaborations in the group shows “Attention! Promised Place – Contesting Common Grounds” FLUCA Austrian cultural pavilion (Plovdiv BG); “Casos Bárbaros” I and II Casa Bárbara (São Paulo BR); “WELT KOMPAKT?” frei_raum Q21 MuseumsQuartier (Vienna AT); and “Du oder ich? Collective Soul. Ethik des Miteinanders” Wachauarena (Melk AT); 67 Ludlow Street Gallery (NYC US); amongst others.

Chico Togni (*1981 Itajubá BR). Bachelor in Sculpture from University of São Paulo (2015); Artist Research Fellow at the Smithsonian Institution (2012 Washington D.C. USA). Proac Prize for Publication and Artist’s Book (2017); Museu da Imagem e do Som LABMIS Prize (2014); Funarte Projéteis Contemporary Art Prize (2008); and the acquisition prizes of the 14th Salão de Arte Contemporânea MACC (2007) and Centro Cultural São Paulo (2006). Solo shows: 2016 Museu Brasileiro da Escultura (São Paulo BR), Galeria Marcelo Guarnieri, (Ribeirão Preto BR), Galerie White Project (Paris FR); 2015 ArtRio (Rio de Janeiro BR); 2014 La Maudite (Paris FR); Galeria Pilar (São Paulo BR); Vitrines MASP (São Paulo BR); 2013 CCSP (São Paulo BR); 2012 Emma Thomas Gallery (São Paulo BR); Laagencia (Bogota CO); 2011 Galeria Baró Cruz (São Paulo BR); 2009 Centro Universitário Maria Antônia (São Paulo BR), Paço das Artes (São Paulo BR). Participated of group shows: 2015 Point Éphémère (Paris FR); Galeria Milan (São Paulo BR), Red Bull Station (São Paulo BR); and in 2012 Centro de Arte Contemporáneo de Quito (Quito EC); ArteBA (Buenos Aires AR) among others.

Kadija de Paula (*1980 Curitiba). IMBA in Arts Administration from the Schulich School of Business at York University (2011 Toronto CA); BFA in Photography from OCAD University (2005 Toronto CA); 2011-2012 facilitator and mediator of residencias_en_red [iberoamérica], a platform of artist residencies in Latin America and Spain; 2013-2016 long term artist residency at CAPACETE (Rio de Janeiro BR); 2015-2016 Visual Arts consultant for UNESCO. In 2014 co-translated José Oiticica’s “Anarchist Doctrine Accessible to All” by WORD+MOIST PRESS (Livorno IT). Presented her research, performance and visual work in seminars, exhibitions, and happenings in 2016-17 Sesc (São Paulo BR); 32ª São Paulo Art Biennial 2016; 2015 MATADERO (Madrid ES); 2014 Villa Romana (Florence IT); 2013 Jan van Eyck Academie (Maastricht NL) and Casa Daros (Rio de Janeiro BR); 2012 United Nations University (Tokyo JP), ArteBA (Buenos Aires AR), Local Project Terminal 1 (Santiago CL), Laagencia (Bogota CO), and 2011 MAM (Medellin CO), amongst others.

Markéta Jáchimová was born in 1988 in Domažlice, Czech Republic. She studied art at various schools, including the High school Zámeček in Pilsen and the Universiti Institute of Art and Design studied illustration and fellowship on Glasgow School of Art. In 2009 she moved to Prague and continued her studies at the Academy of Arts, Architecture and Design where graduated bachelor degree in sculpture and a master’s in painting . Though her beginnings were as an engraver and painter, by 2009 she had turned her attention to sculptural work, for which she is now highly recognized by having many shows with various institutions in the Czech Republic. Markéta Jáchimová’s early sculpture is composed of organic materials, such as human hair, plaster and found wood. In the last years she began to execute her work in crystal and glass and the pieces themselves have become larger and more referential to what is becoming the dominant theme of her work: her childhood. She once said to me: “My childhood has never lost its magic, it has never lost its mystery and it has never lost its drama.” Deeply symbolic, her work uses her relationship to the body and the role trips to forest played in her early family life as a vocabulary through which to understand and remake history. The anthropomorphic shapes her pieces take—female and male bodies are continually referenced and remade—are charged with sexuality and death and the interplay between the two.

The journey started after the arrival here with the onset of spring and departure of winters. There were footprints everywhere of departing winter. Outside the door, under the trees, near the river, everywhere winter was leaving its marks for the spring and summer to cover!! I started to collect them and began to make small shrines for the remains of mighty winter. The ‘shrines’ came from temples where they serve as an important element for the representation of deities. The shrines became smaller and brought with them some old parts of my practice.
The mark making with the help of Sanganeri handmade paper (it comes from a small village called Sanganer near Jaipur. The paper is been made by people called ‘Kagzis’ from many generations and not sold in any shop in India) became epitome of the existing mark making in my works by pen, pencils, colors and charcoal.
The collected stones that gets stuck under my shoes while walking by the river, the fallen pieces of tree barks with moss, the leaves, pine needles and the hails that fell in mid April and other materials became objects of my interest and found their way back to my studio. I targeted to give them spaces in the shrines I was making but then also decided to give them their own individual space (without a shrine) and use some stories to describe their way into the space given to me here.
Through these I want to tell stories of my present that became important as they were about journeys and experiences; along with the stories of past told by my father in the form of many poems. To all this collection of objects and its making I want to call as ‘Museum of Memories’, the recollections from the past amalgamating with the retentions of present.

Ist Bildhauerei nicht vor allem dazu da, dem Unglücklichen zu helfen, ihn aus tiefstem Elend zu retten und demjenigen seine Seele wiederzugeben, der sie verloren hat?

Die Wärme in die Kälte, die Schönheit in das Glänzende der Wahrheit. Darin liegt Liebe.

Nicht in Sehnsucht nach der Vergangenheit sondern in der Schöpfung der Zukunft.

Mit meiner Darstellung von der Form suche ich die Eleganz und die Schönheit, es ist ein langsamer Entwicklungsprozess ohne Ende.

Engaging with the ‘Found’ finds a resonance with variation in levels of interactive play. Material sourced from the surrounding finds its way into the studio to enable an array of permutations and combinations. In a similar vein, they move outside the studio space to engage with the elements. In the process of acquiring material the ‘Found’ has evolved in range to include objects, raw material, audio and measurements. The moment of ‘Play’ with the available material becomes an anchor for development of the work. Juggling with numbers, balance, sourced material and structural buildup the work finds its way through series of drawings, images, audio, video and sculpture.
Transformations that occur during this process have the inevitable direction of resulting in the act of object making. Hands on approach with the material, toying and playing to understand its pros and cons maintain the flow of the work process. Failures in the explorations add to the general buildup of the work as it tries to follow a path towards its realization. In the end, the object making process undergoes a transformation to a reversal or taking up of a different path. In that way the object made gets into another play of travel and exploration.

Unsere intellektuelle Welt wurde durch eine immense Expansion unseres Wissens transformiert, hinein in die mikroskopischsten Partikel von Materie und hinaus in die Weiten des Weltraums, mit hunderten von Milliarden von Galaxien, in einem sich immer weiter ausdehnenden Universum. Wissenschaftler sammeln mit Hilfe modernster Technologien täglich Daten. Dies passiert in einer Geschwindigkeit, die kaum Zeit lässt zu verstehen. Erkenntnisse, wie beispielsweise aus der Quantenphysik, tragen den Schlüssel für ein neues, verändertes Verständnis über Materie, das Universum und uns Menschen. In seiner Arbeit geht Zach der Frage nach, wie diese Erkenntnisse aus der Wissenschaft greifbar gemacht werden können. Seine Objekte schaffen Situationen, in denen diese oft abstrakten Fakten erfahrbar werden. In seinen Projekten stellt sich die Frage, wie wir als Individuen autonom in unseren Selbsterkundungen bleiben können, auch wenn diese an die Grenzen unseres Erfindungsgeistes und deren Technologien gekoppelt sind.

I cannot really provide a satisfactory definition of ART, but I guess everything is.
After a few decades of “passing through” a variety of approaches to it, I am now interested in an intimate and “popular” contact with my audience.
Trying not to lose professional value, I want to communicate a romantic/utopic approach to aesthetics and a humoristic way of expressing our very serious issues of social, political and ecological problems.
The painful political situation in the Middle East, as well as my opinions about freedom, non aggressiveness and educating towards an ecological outlook, are illustrated in several pages on my site www.rafim.com.
I use so called “anachronistic” means in attempting to make my points.

The work of Adam Stanko and Helena Sequens, this highly regarded pair, who are an integral and very-clearly visible part of the international art scene, is characteristic by its diversity, not only due to a variety of artistic techniques, but also the range of ideas, themes and topics which they deal with the irony and sarcasm.
Helena and Adam create installations, sculptures and paintings, which through cynical and sarcastic humour highlight the current debased political, social, religious and moral situation. Through fascination with the evil and perversion of our society, they put up a mirror that shows us the realities of today and point to the banality of ubiquitous evil. The result of their actions is intense, brutal, disturbing and ironic.

Die Art und Weise, in der Max Frisinger mit Alltagsdingen umgeht, erinnert in bestimmter Hinsicht an das, was der amerikanische Kunsthistoriker George Kubler über das Verhältnis von Alltagsdingen und Kunst gesagt hatte. Kubler hatte in seinem 1962 erschienenen Essay „The Shape of Time“ dafür plädiert, die Idee der Kunst dahingehend zu erweitern, dass sie alle vom Menschen geschaffenen Gegenstände umfasst. Dabei argumentiert er mit einer Geschichte der Dinge, die es erlaubt, Materielles und Geistiges, vereint unter dem Oberbegriff der visuellen Form zu denken. Die Beziehungen, die diese visuellen Formen untereinander annehmen, beschreibt er dabei folgendermaßen: „Es ist, als ob die Dinge selbst andere Dinge nach ihrem Vorbild hervorbrächten, wobei die Menschen die Vermittlung übernehmen“. Stefan Berg

„…Man geht davon aus, dass es in vergangener Zeit ein anderes Bewusstsein, eine andere Wahrnehmungsform gegenüber unserer Umwelt, gegenüber Lebewesen und Objekten gab. Dabei ist interessant, dass wir diese Bewusstseinsform heute nur noch theoretisch erfassen, aber nie wieder beherrschen können. Es war eine zivilisatorische Vorform, die wir deshalb nicht mehr erreichen können. Sie bestand darin, dass es damals keine Unterscheidung gab zwischen einem realen Lebewesen oder einem realen Gegenstand und Symbolen, Repräsentanten, Abbildungen… – Dingen, die ihre Funktion primär darin haben, von sich selbst abzulenken und auf etwas anderes zu weisen – : ein Symbol, das etwas anderes bedeutet; einer, der einen anderen repräsentiert, eine Abbildung, die etwas anderes zeigt… Wenn damals ein Ton-Pferd in ein Grab gelegt wurde, war die Annahme und Überzeugung und Empfindung, dass das Ton-Pferd ein reales Pferd ist – und kein Symbol für ein wirkliches Pferd. Es ist das Pferd. Ähnlich diente auch ein Möbelstück, das als Opfer oder Grabbeigabe verwendet wurde, nicht dazu, ein reales Möbel zu symbolisieren oder an ein reales Möbel zu erinnern, sondern es wurde immer als das reale Möbelstück wahrgenommen, in seiner ganzen Funktionalität und Bedeutung und Wirkungsweise.

Es handelt sich um eine Auffassung von Dingen, die möglich ist bevor man die Umwelt mit Funktionen und Bedeutungen belegt; um einen Zustand in dem es noch keine Einteilung gibt, was in welcher Funktion zu mir oder anderen Bestandteilen meiner Umwelt steht. Es ist ein Bewusstsein, dass mich zunächst eins-zu-eins gegenübertreten lässt, in einer realen Konfrontation. Um überhaupt erst mal eine Verbindung und Direktheit möglich zu machen, ist es wichtig, das Gegenüber, den Gegenstand als das wahrzunehmen, was er ist – in seiner ganzen Reduziertheit und Einfachheit. In dieser Art von Begegnung ist es wichtig, dass das Andere in seiner Eigenständigkeit und Losgelöstheit zunächst anerkannt oder erkannt wird. Auf dieser Basis finden die Projektionen und Verbindungen statt, die man macht und erfindet. Diese Idee ist wie eine Technik, die man verwenden kann, um schlussendlich eine Komplexität zuzulassen, eine Komplexität, die dann aber auch erfahrbar wird, die nicht ausgedacht, vorausgedacht wird – sondern direkt erfahren wird…“

Michael Kleine studierte Musiktheater-Regie an der Theaterakademie in Hamburg. Seit 2006 arbeitet er kontinuierlich an Objekten und Performances. Ein wichtiges gemeinsames Motiv dieser Arbeiten ist die Auslotung des Kontaktes von Zuschauer und Darsteller bzw. von Betrachter, Objekt und Künstler. Er ist außerdem als Performer, sowie als Ausstatter und Dramaturg tätig.

Ingrid Scherr der Maulwurf in der modernen Kunst,

gehört noch der DIY-Bewegung unter den Künstlern an.

Sie imitiert, dekonstruiert und malträtiert mit Hammer, Axt und Bohrmaschine die lecker Welt,

um sie nicht auf einen Nenner zu bringen.

Nicht nur als Bildhauerin, sondern auch als Sprachpolizistin tut sie ihre Pflicht und schafft kleine Denkmäler wahrer Zufallsgröße, gemäß ihren künstlerischen Prinzipien folgend:

    1. Nichts wird so sein wie es vorher war
    2. Der Autismus des Zufalls
    3. Nachdenken ist Vordenken

 
(… ) In den wenigen Jahren seit seinem Studienabschluss hat Softić bereits ein beeindruckendes künstlerisches Werk geschaffen. Sein Schwerpunkt liegt im multimedialen Bereich (Experimental- und Spielfilm, multimediale Installation, Audio-, Musik-, Videoperformance) und Medientheorie. Diese Aktivitäten verorten sich in den unterschiedlichsten Institutionen und Räumen, in Museen, Galerien, Kinos, Theatern, Clubs und Off-Räumen. Softićs Arbeiten untersuchen und formulieren auf vielfältige Weise aktuelle Fragestellungen zu künstlerischer Produktion und nationaler Identität. Wie kann nach dem jugoslawischen Bürgerkrieg, nach der Erfahrung einer persönlichen bzw. nationalen Katastrophe mitten in Europa überhaupt Kunstproduktion noch aussehen? In seinen von ihm selbst als posttraumatisch bezeichneten künstlerischen Verfahren mit ihrer vielschichtigen Mischung aus fiktivem und dokumentarischem Material scheint die Ambivalenz zwischen Ereignissen und ihrer Interpretation immer wieder subtil auf.
So wird sein Musikprojekt „Loma“ („Loma“ bedeutet in der Sarajevoer Umgangssprache „wenig“) von Softić als posttraumatische Unterhaltungsmusik beschrieben: Zeichen des Ausbruch werden angedeutet, aber letztlich doch verweigert. Musikalische Versatzstücke aus der slawischen Folklore, dem Pop und des Noise werden hier zu statischen Musikblöcken von großer Dichte verarbeitet und gleichzeitig eine intensive künstliche Anspannung aufgebaut, die sich aber nie wirklich entlädt. Dass Sprache dem Überblick aller Beziehungen nicht gerecht werden kann, ist eine Grundeinsicht für die Kunstproduktion Softićs. Das Spektakel, bei dem alle Sinne angesprochen bzw. überwältigt werden, fasziniert und beunruhigt ihn gleichermaßen. Er setzt sich mit seinen Arbeiten bewusst ab von der allgemeinen Hyper-Spektakel- Produktion und sucht im Gegenteil nach konsequenter Entwertung von Symbolen, nach dem Erscheinen des „Noch-nicht-Dargestellten“, nach dem Verorten des Unbekannten. Seine filmischen Strategien reiben sich an den Entwicklungen des Erzählkinos der letzten Jahrzehnte, es geht um Momente der Spannung und deren Auflösung, Angst, den Körper im öffentlichen Raum, Bewegung Transparenz/Oberfläche, Verlust des Überblicks, Bloßstellung des Vertrauten, Zerbrechlichkeit der Bilder, Realität in der Fiktion bzw. Fiktion, die zum Dokument wird. (…)
Michaela Melián

*1983, Göteborg, Sweden
Lives and works in Europe

Studies at Städelschule, Frankfurt, 2005-2010,
with Tobias Rehberger, Eric D Clark, Isabelle Graw
Exchange student at Royal Institute of Art, Stockholm, 2008-2009

h00dumentary, new video genre, sculptural installation. Euro pallet seating, fluorescent spraypaint. UV neon tubes. Tweaked offset a5 flyers, framed.

Dubbla Hastigheten, silicone Luglife gym bags. ICoke cement bricks. Pushups from the loft ceiling. Black and white booklet with transcription of Vanguard documentary.

The Hunter in the Armchair, a novel “based on a true story”, to be published on Morava Books, Poznan, Poland, in the spring of 2012. Snazzy details. Nigerian Prada.

Bismillah. Slowly start changing DJ alter ego and move into new neon work and life philosophy. New York Minute, HD h264 video, 1 min 0 sec, 2012

die hungrige igelin um sein werk weinend wacht

der calliop rammt seinen stachel in der eidgenöss` nguva leib,
sie (die hoch auffuhr bei dem gruße, denn bohnen und gedanken
hatten ihre sinne gefangen gehalten -)
raunt: das ist doch widersinnig !
kommst vom himmel oben aben,
daß ich dich nicht gemerkt,
bis du auf mir oben warst ?

er, rasch: der neunköpfige abgrund warf mich,
den weg komme ich, wo andere malen,
und jetzt: hör auf zu schwätzen und gebär,
ich hab nur 5 monat zeit !

(der widerspruch wird noch widersinniger,
sobald wir die in geld ausgedrückten werte
auf wahre werke projizieren)

…für den, der es zu lesen versteht,
enthält es jedoch naivitäten, die von einer
aristokratischen einsamkeit zeugen.
niemand ist naiver als die prinzen.
alles versetzt sie in erstaunen.

jeremias gotthelf, engels, jean cocteau,
artmann und tilmann für
c. dirk meinzer 08.2011

Berlin

Artists Statement

Meine Bildarbeit betreibe ich als ‘Maximal’. Im Gegensatz zu Minimal verfolge ich die Vielheit und den Reichtum der Möglichkeiten in jedem Bild. Darin bin ich nicht Beherrscher sondern Forscher. Ein Bild malt sich auf Grund des Dialogs mit mir von selbst. Ich bin Medium. Als solches reagiere ich auf Phänomene des Bildes und setze diese malerisch immer weiter fort.

Die Bestimmung und das Erkennen von Gegenwart ist ein ungelöstes Grundproblem, da Gegenwart nicht messbar ist und jede Beschreibung von Gegenwart immer sofort Vergangenheit beschreibt.

Peter Lynen rekonstruiert die Gegenwart in einer falschen Zeit neu und stellt ihr die Vorstellungen der Vergangenheit (Erinnerung, Geschichte, Herkunft, Ursache) und der Zukunft (Hoffnung, Angst, Vision, Entwicklung) gegenüber.
Der oft expressive Umgang mit Material zeigt die erstarrte Form vormals energetischer Abläufe.

So entstehen künstlich gealterte Skulpturen, Bilder und Zeichnungen, die eine entschleunigte Wirklichkeit darstellen. Inhaltlich untersucht Peter Lynen in seinen experimentellen Aufbauten psychische Wahrnehmungsphänomene, die sich in einer spekulativen Anatomie äußern.

Vertreten durch die Galerie Grunert

My clay sculptural works and colored pencils drawings are characterized by fine details seeking to capture the gaze of the viewer while giving him the freedom to shape his own interpretations. The synopsis of the distinct parts and their visual connections lead to new questions of content for the underlying concept. Similarly, these connections add a whimsical and humorous layer bordering to the parodic.
From a very early age, family visual stimuli as well as local environment imagery exerted a big impact on me. Having been raised in Thessalia, one of Greece’s richest areas in tradition and mythology since antiquity, my surroundings consisted of rural areas with animal farms under the shadow of mount Olympus and at the same time urban themes within one of the biggest cities of my country. There, I grew up among traditional embroideries of my grandmother and agricultural tools of my grandfather. In my research I try to recreate a personal diary of memories of the past by placing old events and images to a new scenery of contemporary reality. I often use personal as well as historical references with an allegoric gaze to reality, with one of my main aims being to establish a dialogue between past and present. Some of my sources are personal imagery, memory and subconscious, Greek local traditional art as well as elements from the broader history of art. Objects charged with powers that surpass them, reminding thus the old alchemistic preposition about the spirit of the material, become symbols of a dreamy displacement of reality. Key influences of my works include, Jung’s theory about Symbols and his ‘Process of Individualization’ where dreams obey a grand scheme while they still depend on the very personal interpretation of the individual. From the world of literature, Mikhail Bulgakov Fernando Pesoa and Franz Kafka shaped my perception for illusionary labyrinthical recreations of reality.

PLATINOID EXTRA

Erfindet Platinen, extra, sonst werdet Ihr noch platinoid! Poesie-Platinen, feiernde Fest–Platten, Gefühls–Speicher: Produkte aus der „HNBF“ (Hypotransparente Neuro–Beauty–Farm) für schillernde Körper-Phantasien, wo das Innere nach aussen, das Äussere nach innen übergeht, wer will das noch unterscheiden?
Ich bin im Labor: Untersucht wird die Innenwelthypothese und ihre Erscheinungsformen in einer psychologistisch–reduktionistisch–intro-jektionistisch vergegenständlichten Aussenwelt. Dabei die Hingabe an’s viele, Vielheit statt Einheit, mehrmedial statt eindimensional, diffrenziert–diffus statt ganzheitlich–eindeutig. Ökonomie ist ok, aber in was für Häusern wollen wir leben? Was soll ich essen?
Das grüne Elend, eine Frage der Ästhetik…
Macht Euch lustig! Aber: Hüte Dich, sei froh und wachsam. Liebe die Computertomographie Deines Lebens nicht wie Dich selbst, denn es ist etwas anderes als Du oder Ich oder Es: ZerbrocheneSpiegel, überall, die Zerwürfnisse und Zerissenheiten brodeln unter den Oberflächen.
Alles Sprache, lauter Programme! Bildelemente, Dinge als Zeichen: Willkommen im Zeitalter der Dia–Eklektik! Erfinde Dir Dein Gehirn, erstelle üppige Body–Scans Deines Lebens und zeige sie anderen!
Die Welt ist ein Gehirn,– die Welt ist kein Gehirn, das Hirn ist eine Welt, das Hirn ist keine… Auslegender Logos statt wahrhaftiger Mythos, so sieht’s aus, oder? Schmeisst’ den Heidegger auf den Müll, aber lest ihn vorher! Und werft den Müll nicht weg! Sind wir alle Chinesen? Früher waren wir vielleicht Griechen, dann Römer und noch vor kurzem Amerikaner. Aber was, verdammt nochmal, wollen wir werden?

Oliver Ross, 2010

The materials and mediums of expression are secondary to the concept when I develop a work of art. As a result my work encompasses a diversity of styles. The concept is the priority and I use whatever medium and material is best to express that idea. These ideas are astute and ironic observations of the culture and world that surrounds me. Sometimes they are humorous and occasionally they alter how one engages the surrounding environment.
Furthermore I also make work that includes geometry and repetitive mathematical patterns. These patterns are not only repeated but rather are organic, forming as the roots of a tree around a sidewalk, and finding the peculiarities of a space and forming and fitting to it.

I earned my MFA from the Maryland Institute College of Art and I had a residency at AZB in 2007. I currently live and work in NY City.

1971 geboren in Moskau

1988 – 1993 Studium der Bildhauerei, Stroganowskoe Kunsthochschule bei Prof. N.B.Nikogosian und Prof. A.N. Burganov, Moskau

1995 – 2004 Kunstakademie Düsseldorf, Meisterschüler von Prof. Klaus Rinke

Leonid Sokhranski lebt und arbeitet in Düsseldorf.

Stipendien

2007 Stipendium der AZB (Arbeitsgemeinschaft Zürcher Bildhauer), Gasmesserhaus, Zürich CH

1998 Hedwig & Robert Samuel-Stiftung, Düsseldorf

Einzelausstellungen

2010 Vita nova, Gallery Paperworks Moskau

2007 Galerie Thomas Flor, Düsseldorf

2007 Staatsgalerie für angewandte Kunst, Smederevo, Serbien (Kat)

2003 Pallenberg, Center, Berlin

Gruppenausstellungen

2009 SPUTNIK ART FOUNDATION Moskau

2008 Suspended, Neues Kunstforum Köln (Kat)

Oberirdisch, Ausstellungsraum Winzawod, Moskau (Kat)

Fresh Blood, Gallery Volker Diehl & Gallery One, Moskau (Kat)

2007 Regarding 2 Düsseldorf, 701 e.V., arteversum, Düsseldorf

2006 Galerie Thomas Flor, (mit Frank Hesse und Jochen Lempert) Düsseldorf

Trendwände, Kunstraum Düsseldorf

2005 Regarding DüsseldorfI, 701 e.V., DIFA – Raum für Kunst, Düsseldorf

Kleines Affektchen II, Performance, Neuer Berliner Kunstverein, Berlin

Kleines Affektchen III, museum kunst palast, Düsseldorf

Everything is all Right, Museum am Ostwall, Dortmund (Kat)

And the Ship is Sailing, Alte Volksbank, Borken (Kat)

2004 Kleines Affektchen I, Performance, Kunstmuseum Bochum

Na Kurort, Kunsthalle Baden-Baden (Kat)

Leonids Freiheit, Bunkerkirche, Düsseldorf

2003 Galerie BERLINER KUNST, Berlin

Paradies, M.A.I.S Projekt, Performance, Kunstverein Malkasten, Düsseldorf

Paradies, M.A.I.S Projekt, Bunker am Alexanderplatz, Berlin (Kat)

2002 Gute Manieren, Haus am Lützowplatz, Berlin

Performance, Performancetage Ottersberg (Kat)

100% srenie, Regina Gallery, Moskau (Kat)

2001 Grand Canyon, Performance, Kunstmuseum Bochum

Fotoestafeta, Publishinghouse Izwestia, Moskau (Kat)

Mir ego glas, Barnaul, Russland (Kat)

Der Tod, M.A.I.S. Projekt, Kulturbunker am Blochplatz, Berlin

1999 M.A.I.S. Projekt, Kulturbunker Blochplatz, Berlin (Kat)

1998 Definition of surrounding; Strijthagen, Landgraaf NL (Kat)

1997 Saldo, Ehrenhof, Düsseldorf (Kat)

Links and Connections; Gallery L, Moskau (Kat)

1994 Freie Berlinische Kunstausstellung, Messehalle, Berlin (Kat.)

1988 Ausstellung junger Künstler, Kunsthalle Kuznezkij Most, Moskau

Öffentliche Sammlung

Tretjakov Galerie, Moskau

Hallo zusammen, wie lebt Ihr ?

Kaninchen :
Wir leben in kleinen Gruppen, keine festen Partnerschaften. Bauen weit verzweigte Gangsysteme, in denen unsere Jungen nackt und blind zur Welt kommen. Wir vermehren uns auch in Gefangenschaft.

Hase :
Ich lebe solitär. Schlafe in einer flachen Erdmulde. Mein Nachwuchs kommt darin mit Fell und geöffneten Augen zur Welt.
Ich bin niemals domestiziert worden.

Menschen :
Wissen wir noch nicht so genau. Bis wir es herausgefunden haben führen wir Krieg.

L.M. 2010

Lin May , *1973 (DE/ IQ) / Berlin ,
beschäftigt sich mit der Geschichte des Mensch – Tier/ Natur – Verhältnisses. 2003 gründete sie den Ausstellungsraum Center in Berlin – Tiergarten . Sie studierte bei Tony Cragg an der Kunstakademie Düsseldorf , wo sie seit 2008 einen Lehrauftrag für Bildhauerei hat.

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Rory Macbeth is all student, like a brassbandsman’s glove stuck in gin. On his desk in London lies a broken sandal from Central St Martin’s, a crushed paper hat, and a communist militant text that names Frances Neil at the bottom. Frances has perfect pitch, as if randomly freeing a bird whose textile-like fur is snagged – and she stammers venomously at the muledrivers of the Universe.

Rory Macbeth cherishes above all things the night that spits out a curse, less public than a locked zoo in autumn, more hand-held animal than the sickly dabbling of a farmhouse hob. Some beeswax, sucked up in 2005, is altered in a bad way when Saint Servolo excavated a ditch in the lagoon which was flooded. This salty gamble, on which Macbeth had to stop spending, was undeterred, and cost him 20 teeth. A hundred gods closed the scene, and halted psychiatry; upset little men would doubt the word that bends a farewell into shock-therapy for the departing guests. Macbeth broke the 300 metre record.

- from the German text about the work of Rory Macbeth by Dr Sandra Danicke, translated by Rory Macbeth who does not speak German, and is not using a dictionary. He is currently translating a Franz Kafka novel ‘The Wanderer’.

Øystein Aasan’s works function as a game of visual contrast and compare. The modernist grid is taken on a play date with images from the leftovers of a visual history associated with popular culture. Aasan picks these images from old magazines or from collecting copy negatives and the images are mass-produced and potentially limitless in quantity. As such they are examples of the norm in art post-pop. Both through references and the use of found imagery, post-modernist art keeps seeping through the cracks of the modernist grid. Or perhaps rather the grid is being superimposed over the found image. This could easily be interpreted as an attempt to re-describe the, assumed literary, qualities of referentiality that we normally ascribe to post-modern art. The result is a feeling of visual tension that is optically immediate, but also conceptually striking since what is at stake is the very distinction between modernist and post-modernist ways of understanding the image. Aasan’s work makes the connection between grid and multiple obvious by combining them in objects that themselves appear anonymously unique.

Erlend Hammer, Lautom Contemporary catalogue for Liste 2009

Sofern Hans Renggli 1993 bereits zum 10 jährigen Jubiläum des AZBs zugunsten des von ihm befürchteten Aussterbens der Bildhauerkunst schreibt, daß “die Physis aber, gerade im Zustand kultureller Vernebelung, das bleibende, bergende Weltgefäss” sei, bezieht er sich bewusst oder unbewusst auf den Wortschatz eines Martin Heidegger, der die Kunst ihrem Wesen nach “inmitten” der Unverborgenheit des Seins verortet. Wie dieses nebulöse Zentrum zu erreichen sei, dafür liefert Heidegger selbst freilich keine Orts- und Wegbeschreibung, die Physis der Kunst im antiken Sinne ihres “Wesens” zu bedenken, dazu rät er jedoch dem Künstler dringend, schon allein um nicht transzendentalen Begriffen wie “Stoff” und “Form”, “Gefäss” und “Inhalt” aufzusitzen.
“Es ist nicht der Prozess selbst, nur die Öffnung zu diesem, eine Markierung der Einstiegsstelle” schreibt Renggli, und liefert gleichsam unter der Hand die Wegmarken, an denen entlang Heideggers Holzwege um das Offene prozessieren. Die Absicht allerdings, eine Einstiegstelle zu finden, scheint allerdings und entgegen Rengglis Diktum schon der Prozess des Offenen, der Rechtsstreit selbst zu sein, in dem die unüberwindbare Offenheit erst zu Tage treten kann. Mit dem März Newsletter soll daher dem voranschreitenden, handelnden Prozess entgegen einem offenen Zwiespalt der Auseinandersetzung ein acht Seiten kurzer Prozess gemacht werden mit der Hoffnung, in der Kürze des Verfahrens einem ästhetischen Urteil nicht und dann doch unweigerlich vorgegriffen zu haben.
Man möge mir mein Drängen im Text verzeihen als eine nicht nur den sterblichen Körper des Bildhauers betreffende Arbeit gegen den Tod, um im Modus Renggli zu bleiben. Weitere vertiefende Rechtsgutachten und Zeugenbefragungen zum Begriff “Raum” finden am 26.3. im Gastatelier des AZBs sowie in einem der Folgemonate in Form eines “Salonkonzerts mit Einführung” statt, zudem alle Mitglieder des AZBs herzlich eingeladen werden.
Sofern also – gemäß Satzung – noch unentschieden bleibt, welche “Gemeinsamkeit” die Mitglieder des AZBs “eint”, ist vom größten anzunehmenden Unfall, kurz, dem Super-GAU des Raumes – seien es die günstigen Ateliers und Arbeitsräumlichkeiten, sei es das über den bloßen Gefühlsraum hinausreichende Universum von 20 aktiven Bildhauer des AZBs – auszugehen. Sich dem zu verschliessen hiesse, sich seiner “Grundlage” zu verschliessen. In diesem Sinne der von mir verfasste Newsletter als Versuch, Raum – nicht ohne Konsequenz für die Praxis – zu denken.

Romeo Grünfelder, Schlieren 3.2004

… Das konzeptuelle Zentrum von Vordermaiers Kunst ist … das Verhältnis von Sichtbarem und Unsichtbarem: Sie arbeitet mit Phänomenen, die wir nicht sehen können: Schwarzen Löchern, verborgenen oder akkumulierten Energien, elektromagnetischen Feldern,.. und der Schwerkraft. Damit knüpft sie bei einer Idee an, die sie bereits 2003 im Rahmen der Installation Slingshot im Hamburger Ausstellungsraum Elektrohaus realisiert hatte, wo ein straff gespanntes Katapult aus ineinander verschlauften Fahrradschläuchen den gesamten Raum in Schach hielt – scheinbar jederzeit bereit, die angestaute Bewegungsenergie freizusetzen. [1]

Dabei geht es weder um naturwissenschaftliche Versuchsreihen noch um Zauberei. Vordermaiers Arbeiten analysieren nicht, sie verblüffen auch nicht, sondern sie sind einfach da. Ihre Installationen stellen Situationen auf Dauer, wo die vertrauten Verhältnisse außer Kraft gesetzt sind. Eben hier werden wir aber in die Lage versetzt, etwas zu sehen, was nicht nur im Alltag, sondern grundsätzlich unsichtbar bleibt: Die Eigenvalenz der Dinge. Die Dinge gewinnen da neue Perspektiven, wo sie aus ihren Sachzwängen gelöst werden. [2]

Bernadette Collenberg-Plotnikov

[1] Vgl. Jens Asthoff: „Zwischenräume der Realität“  [14.4.2010]

[2] Vgl. Bernhard Waldenfels:

„Der herausgeforderte Blick. Zur Orts- und Zeitbestimmung des Museums“. In: Ders.: Der Stachel des Fremden. Frankfurt a.M. 21991 (11990), S. 225-242, hier S. 234.